FIMUCITÉ

La Film Scoring Academy inaugura su ciclo de charlas a cargo del reconocido compositor canario Diego Navarro, el autor más relevante de las islas dentro del ámbito de la música para el cine. En esta masterclass, Navarro compartirá sus conocimientos y experiencia en el mundo de la música para el cine, destacando su trayectoria personal y profesional, compartiendo detalles sobre sus procesos creativos, influencias y experiencias en la creación de música para diversas producciones cinematográficas.

Como fundador y director del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), Navarro nos llevará en un viaje a través de la historia del festival, destacando sus hitos más importantes, las colaboraciones con grandes nombres de la industria y los momentos inolvidables que han marcado su evolución.

Esta masterclass es una oportunidad única para estudiantes, profesionales y amantes de la música de cine que deseen inspirarse y adquirir conocimientos valiosos en este campo.

En el lenguaje audiovisual las relaciones entre música e imagen no siempre son estáticas y predecibles. Entre los múltiples factores que influyen, contextualizan y definen esta interrelación podemos incluir: el momento histórico, el binomio director-compositor, la utilización de música preexistente o la música compuesta ad hoc, la vinculación del guion a la música, la funcionalidad formal de la banda sonora, la música diegética vs. la extradiegética, etc. En esta exposición introductoria realizaremos un recorrido por algunas de las propuestas dialógicas entre los estímulos visuales y auditivos que el séptimo arte propone en aras de la construcción de una narración.

Leandro A. Martin es compositor y docente e investigador de Didáctica de la Expresión musical en la Universidad de La Laguna. Ha estrenado obras e impartido conferencias en países como Alemania, Cuba, Italia, Argentina, España, Inglaterra, etc.

La película Cabaret, de Bob Fosse, parte de Adiós a Berlín, la novela de Cristopher Isherwood en la que se inspira para realizar una muy peculiar revisión del género musical. En este acercamiento a la película se prestará atención a la función diegética de las canciones y las coreografías, que ilustran la evolución de los personajes y de la propia trama, desde el hedonismo inicial de la noche berlinesa hasta el horror del nazismo. A partir del análisis de diálogos y números musicales, se analizará también la complejidad de los personajes, especialmente el de la protagonista Sally Bowles, independiente y frágil a la vez, en quien pueden verse reflejadas las mujeres de hoy.

Cabaret es un musical agridulce, festivo y oscuro, cuya magia sigue vigente. Es también un espejo que refleja simultáneamente el conflictivo mundo de los años treinta y el que vivimos ahora, porque aborda temas como la disidencia sexual, el aborto y la xenofobia, y porque refleja la eterna lucha entre la represión y la libertad, y, en definitiva, entre el individuo y el contexto político-social que condiciona su existencia. Todo ello a través de temas musicales que forman ya parte del imaginario colectivo porque, efectivamente, “la vida es un cabaret”.

Isabel Castells Molina, profesora titular de Literatura española del Departamento de Filología española de La Universidad de La Laguna y Directora de Secretariado de Desarrollo cultural y biblioteca de la Universidad de La Laguna. Imparte la asignatura “Literatura y cine” y se ha ocupado de las relaciones entre ambas disciplinas en artículos, capítulos de libro y conferencias.

La música de cine comparte un linaje histórico con el teatro musical y la opereta, pasando por Viena y “padres fundadores” como Max Steiner, y no es casualidad que la primera generación de grandes compositores cinematográficos buscara inspiración en el escenario. Tiene algo la presencia de personajes exuberantes en la pantalla que interpretan su papel acompañados por una partitura musical que exige el uso de temas que a veces recuerdan más a temas del teatro musical que a sinfonías. Y desde “Tara's Theme” hasta “My Heart Will Go On”, han sido esos majestuosos himnos de amor y anhelo que a menudo aseguran para la pelicula un hueco en la memoria de la audiencia.

Le conviene a todo compositor cinematográfico estudiar el arte de la canción popular y, en particular, los estándares del teatro musical y sus adaptaciones cinematográficas, desde “You'll Never Walk Alone”, “My Favorite Things” y “Maria” hasta “Send In The Clowns” y “Memory”. Desmontaremos algunos de las mejores y descubriremos que, incluso en una época en la que la melodía no parece ser la piedra angular de la música de cine, un buen motivo y un conjunto de acordes con gancho aún pueden serte de mucha ayuda.

El cine mudo se sirvió de la música y cuando se hizo sonoro, adoptó el musical como espectáculo. Fue la era de los grandes creadores visuales: Gene Kelly, Busby Berkeley, Fred Astaire, donde lo importante era la música y las coreografías. Oscar Hammerstein en 1927 con "Magnolia" (Show boat) marcó las reglas del musical teatral como género, consiguiendo que las canciones no fuesen un corte en la acción, sino que hiciesen avanzar la historia.

El éxito de la asociación de Oscar Hammerstein y Richard Rodgers (El rey y yo, Sonrisas y lágrimas) dio paso entre otros a Frederick Loewe y Alan Jay Lerner (My fair lady, La leyenda de la ciudad sin nombre); Fred Ebb y John Kander (Cabaret, Chicago) o Jerry Bock y Sheldon Harnick (El violinista en el tejado, She loves me). Mención aparte para los que son a la vez músicos y letristas como Cole Porter (Anything goes, Kiss me Kate), Jerry Herman (Hello Dolly, La jaula de las locas) o Stephen Sondheim (West Side Story, Sweeney Todd).

Otro momento importante para el musical teatral, fue el desembarco en Broadway de los internacionales Andrew Lloyd Webber (Evita, El Fantasma de la Ópera - Inglaterra), Claude Michel Schonberg (Los Miserables, Miss Saigon - Francia), Elton John (El rey león, Billy Elliot - Inglaterra), o Tim Minchin (Matilda, Groundhog Day - Australia), que terminaron con la hegemonía de los americanos y el musical.

Llegaremos hasta el día de hoy con la explosión de películas no musicales (Regreso al futuro, Ghost) que se llevaron al teatro en forma de musical, y de los musicales que nacieron como películas musicales (La La Land, El Gran Showman), que inevitablemente su éxito las llevará a los escenarios.

Un recorrido en el que se podrán conocer los más legendarios musicales de la historia del cine, y que luego se podrán disfrutar en directo en el gran concierto de clausura “A Million Dreams” el sábado 20 de julio.

Los amantes del cine y la música están invitados a participar en un evento especial, un Q&A exclusivo con el oscarizado compositor Justin Hurwitz y otros invitados destacados. En esta sesión única, los asistentes tendrán la oportunidad de adentrarse en el fascinante mundo de la composición musical para el cine, centrándose en el éxito cinematográfico La La Land.

Desde los secretos detrás de las melodías hasta los desafíos creativos de la producción, este encuentro proporcionará una visión privilegiada del proceso creativo detrás de una de las películas más emblemáticas de los últimos años.

Este Q&A supone el complemento perfecto para luego poder disfrutar en vivo de la experiencia “Live to Picture” de LA LA LAND in concert el viernes 19 de julio dentro de la programación del festival.